If… (1968)

if

En strikt kostskole i 60-tallets England er rammene for Lindsay Andersons dystre allegori om revolusjon; feilslåtte idealer, undertrykkelse og påfølgende opprør. Som en reaksjon på sosialrealismen, som inntil da hadde preget britisk film, tok den Gullpalme-vinnende Anderson If… i nye og mer lekende retninger hva angår filmspråk. Surrealismen finner sin plass, og det pågår en bevisst forvirring av publikum gjennom vekslende bruk av farger og svart/hvitt som ikke nødvendigvis samsvarer med skiftene mellom realitet og fantasi, som ellers preger filmens innhold.

If… er imidlertid ingen utpreget krevende film. Først og fremst oppleves If… som en fantastisk god skildring og en stilstudie av livet på en britisk kostskole. Alt er veldig typisk 60-talls, og like typisk britisk. Karakterene er mange og interessante; noen stereotypiske bifigurer, andre mer av kjøtt og blod. Mens det innledningsvis kan være ne vrient å få tak på galleriet og hvem og hva som er regissørens fokus, utkrystalliseres snart Malcolm McDowells karakter Mick Travis seg som den naturlige protagonist.

vlcsnap-1473131

Mange har forståelig nok trukket linjer mellom McDowells rolle i If… og rollen som Alex de Large tre år senere i Kubricks A Clockwork Orange. Parallellene mellom filmene og rollene er åpenbare; samfunnskritiske og advarende med en rebelsk hovedperson som agerer i reaksjon på noe. Om ikke If… fullt ut kan måle seg med A Clockwork Orange (ikke mange filmer makter det), er dette likevel en film som gjorde (positivt) sterkt inntrykk på meg. Kostskoleskildringene er «spot on», Malcolm McDowell er en fornøyelse (de andre skuespillerne og karakterene er også veldig gode), blandingen mellom realitet og absurd fantasiflukt er innfløkt og suggerende, med en forlokkende foto og produksjon, i en passe utfordrende historie som tar seg tid til både å være morsom, spennende og tankevekkende, hvor Lindsay Anderson viser en balanse en stor filmskaper verdig.

If… står ganske enkelt igjen som en av de fremste filmskattene fra de britiske øyer, og i lys av nyere hendelser ved blant annet amerikanske skoler, har den i sin samfunnskommentar beklageligvis også fått fornyet relevans. Se filmen, og du vil forstå.

PS! Kjøp Criterion-utgivelsen.


The Red and the White (1967)

vlcsnap-3302606

Miklós Jancsó er en av de virkelig store innen ungarsk film. Det store internasjonale gjennombruddet kom midt på 60-tallet med den Gullpalme-nominerte The Round-Up (Szegénylegények). Året etter var det duket for The Red and the White (Csillagosok, katonák).

Det som først slår en er at Jancsó virkelig bruker det store lerretet for hva det er verdt. Kamera sveiper elegant og sakte over store landskap og sletter, ofte på avstand, i flere minutter. Det er et bredt og episk filmspråk som i sin fortellerstil holder en distanse til menneskene i dramaet. Det er heller ikke mye dialog her – de overveldende bildene forteller historien best – mens menneskene beveger seg ustanselig inn og ut fra kameras fokus i lange, nøye planlagte tagninger. Filmen handler ikke om enkeltindivider, og Jancsó lar oss derfor ikke slippe for tett innpå de grufulle skjebnene, med unntak av noen stikk av og til der vi får kjenne på smerten.

vlcsnap-3258519

Filmen tar oss med tilbake til den russiske borgerkrigen (1918-1922) og kampen mellom de røde (kommunistene som hadde tilrevet seg makten i Russland etter Oktoberrevolusjonen i 1917) og de hvite som bestod av mer uorganiserte og fragmenterte anti-bolsjeviker. På de hvites side stod også kommunister fra andre land, deriblant mange ungarere.

The Red and the White er en episodisk skildring av slag og kamper mellom de to sidene på sletter og knauser rundt Volga sentralt i Russland. Krigens kynisme fortelles nettopp med en kynisme. Mennesker slaktes mekanisk ned uten et blunk. Det er iskaldt, og siden Jancsó ikke har til hensikt å la oss bli kjent med menneskene før de likvideres, river det kanskje ikke tak i oss på en like sterk følelsesmessig måte, men på den andre siden blir det bare enda mer skremmende og foruroligende. Fokuset er på handlingen – og handlingenes omfang – ikke på enkeltskjebnene som må bøte med livet.

vlcsnap-3269477

Dette er definitivt blant de anti-krigsfilmene jeg har sett som best får frem det meningsløse i omfanget av tapte menneskeliv. Men ved at mye av det mest grusomme foregår enten langt i fra, i ytterkanten eller utenfor det kamera fanger opp, så blir det sjeldent vemmelig på en grafisk måte. Det Jancsó tydelig ønsker å illustrere, er hvordan krig fungerer som et meningsløst verktøy for å løse konflikter, der mennesket bare blir brikker i og produkter av krigens grufulle mekanismer. Budskapet er like enkelt som det er konvensjonelt, men det er hvordan han formidler budskapet som gjør dette så vanvittig bra.


Seconds (1966)

vlcsnap-2709949

John Frankenheimer må være en av USAs absolutt mest undervurderte filmskapere gjennom alle tider. Han spilte en sentral rolle i det mange beskriver som gullalderen i amerikansk fjernsyn på 1950-tallet (sammen med blant annet Sidney Lumet), og var i andre halvedel av 90-tallet med på å revitalisere fjernsynsmediet som arena for kvalitetsfilm, helt frem til sin død i 2002.

Likevel er det på 1960- og 70-tallet John Frankenheimer hadde sin egen gullalder, og gav oss flere uvurderlige filmskatter. Hvis du ikke har sett noen av disse, kan jeg bare begynne å anbefale: The Manchurian Candidate, Seven Days in May, The Fixer, Birdman of Alcatraz, The Train, Black Sunday og The Iceman Cometh.

Seconds tilhører den lange rekken av kvalitetsfilmer John Frankenheimer lagde på 60-tallet, og står i dag igjen som en av tiårets glemte mesterverk. Filmen kom ut fire år etter The Manchurian Candidate, og spiller videre på en paranoid forestilling om virkeligheten med en desillusjonert protagonist som i dette tilfellet søker mening i livet ved å starte på nytt, med ny identitet.

vlcsnap-2714804

Første del av Seconds er et portrett av en den trauste middelaldrende mannen Arthur Hamilton (John Randolph). Han har vært trofast gift med sin kone i en årrekke, har barn som har flyttet ut, og til daglig har han en solid jobb i banken som sikrer en god økonomi. Fasaden er perfekt. Følelseslivet derimot…

Arthur Hamilton har gjennom hele livet tatt kloke og gjennomtenkte beslutninger, aldri tatt sjanser, men levd livet som en god borger, slik man skal leve. Ingen utskeielser. Et sted på veien har det imidlertid gått opp for ham at livet han lever er fattig, innholdsløst og uten glede. Det er tomt.

Handlingen skyter fart idet Arthur begynner å få merkelige telefonsamtaler fra Charlie Evans, en gammel studiekamerat og tennispartner, som angivelig skal være død. Charlie setter ham i kontakt med et hemmelig byrå som tilbyr en unik tjeneste: de sørger for å gi mennesker en helt ny identitet og et helt nytt liv.

vlcsnap-2714904

Arthur slår til på det noe uvanlige tilbudet. Etter å ha ordnet med det økonomiske, må han simulere sin egen død – uten å si et ord til kona. Etter en omfattende runde med plastisk kirurgi og andre grep for å endre det fysiske utseendet, våkner Charlie opp til sin nye identitet: den merkbart yngre Tony Wilson i Rock Hudsons skikkelse.

Wilson «plasseres» i en leilighet ved stranden i California som kunstner, omgitt av luksus i en tilsynelatende perfekt tilværelse. Han har fått sin «second chance». Men det er noe som ikke stemmer. Uansett hvor langt byrået går i å legge forholdene til rette, sliter han med å bli komfortabel og lykkelig som Tony Wilson.

Seconds ble aldri noen stor hit da den kom ut, og har heller ikke fått den anerkjennelsen i ettertid som den hadde fortjent. Peter Wilshire peker i en artikkel for Senses of Cinema på et par grunner til at filmen verken ble en kritiker- eller publikumssuksess ved lanseringen i 1960-årene. For det første brakte den et sterkt ubehagelig tema på banen, noe mange antakelig kjente seg litt for godt igjen i, uten å ville innrømme det. Et annet poeng er hvordan Frankenheimer uortodokst blander uttrykk fra ulike sjangere; fra science-fiction til drama og psykologisk skrekk. Filmen er lite sjangertro og skifter uventet stemning for et uforberedt publikum. Men viktigst er kanskje bruken av Rock Hudson som det atypiske valget i hovedrollen – en skuespiller best assosiert med de mest romantiske Hollywood-filmene, uten «kred» til å lokke filmkjennere til kinosalen.

vlcsnap-2710519

Men Rock Hudson er fremragende. Jeg kan ikke forstå annet enn at dette er det beste han noensinne gjorde, selv om jeg har store hull her.

Historien er dyster og deprimerende. Frankenheimer tegner et pessimistisk bilde av et menneske fanget i en uhåndterlig felle, da hovedpersonen oppdager at verden sett gjennom øynene til den yngre Tony Wilson forblir den samme som med øynene til Arthur Hamilton. Skiftet av personlighet var det siste, desperate forsøket på å få livsgnisten tilbake. Når det viser seg å være et mislykket prosjekt, faller alt i grus.

Jeg vet ikke om noen med evnen til å visualisere total paranoia som John Frankenheimer. Som i mesterverket The Manchurian Candidate, er kameraarbeidet i Seconds originalt styrt mot detaljer for å male ut en klaustrofobisk stemning, i nærbilder og originale vinkler. Banebrytende fotografert av den ti ganger Oscar-nominerte James Wong Howe (må også trekke frem Jerry Goldsmiths enerverende musikk).

Blandingen av vond hverdagsrealisme, drømmende sci-fi, og et filmspråk i grenseland mellom surrealisme og «psykologisk paranoia-thriller», gjør Seconds til en sterkt fengslende visuell og konvensjonsbrytende filmopplevelse. Langt i forkant av David Lynch og Darren Aronofsky som senere har adoptert lignende teknikker. Seconds er og blir en obligatorisk «feel bad»-klassiker!


Fists in the Pocket (1965)

vlcsnap-3139213

Enhver film som åpner med musikk av Ennio Morricone vil umiddelbart fange min oppmerksomhet. Fists in the Pocket slipper ikke taket i meg en eneste gang i løpet av sine 108 minutter.

Dette er Marco Bellocchios debutfilm, midt i den mest spennende tiden i europeisk film. Den italienske neorealismen var mer eller mindre død, og Bellocchios filmspråk har langt mer til felles med den påbegynte franske nybølgen. Det poetiske er mer fremtredende enn det realistiske, og enkeltscener har surrealistiske elementer over seg. Den samtidige, men mer berømte filmskaperen fra samme land, Bernardo Bertolucci, forteller i et intervju (ekstramaterialet på Criterion-utgaven) om sin begeistring for Fists in the Pocket, og hvordan den var sterkt delaktig i å starte en ny æra for italiensk film.

Bellocchio forteller en foruroligende, dels frastøtende historie, med referanse til egen oppvekst. Dens umoralske og sjokkerende innhold ble ventelig negativt mottatt blant mange etter premieren i 1965. Den italienske middelklassefamilien ble ikke fremstilt med positive fortegn.

vlcsnap-3141255

Faren er død. Moren er blind. Den ene broren er tilbakestående. Den andre desillusjonert, men familiens eneste overfladiske suksess. Søsteren er vakker, men uberegnelig, med et abnormt incestlignende forhold til sin bror – filmens protagonist – den enda mer uberegnelige Alessandro.

Bellocchios film er et portrett av denne familien, hvis handling foruten sporadiske avstikkere, utelukkende utspilles i og rundt hjemmets fire vegger, en idyllisk lokalisert villa (med flott utsikt).

Familieidyllen er imidlertid totalt fraværende. Relasjonene er kjølige, dels bisarre, og familielivet kan ikke beskrives som annet enn dysfunksjonelt. Alessandro er det utagerende midtpunktet i familien, uten hemninger for impulsive innfall eller moralsk dømmekraft, eventuelt bare resignert over familiens verdiløse liv, i sin utstrakte nihilistiske virkelighetsoppfatning.

Det er nødt for å få destruktive følger.

vlcsnap-3142095

Man får vondt i magen av å se Fists in the Pocket. Svart humor til tross; det finnes ingen varme i Bellocchois film. Det er en uunngåelig tragedie.

Filmens sterkeste kort er utvilsomt hovedrolleinnehaver Lou Castel, som med sitt overveldende skuespill i sin debut (!) får meg til å fundere på om han kan være det hypotetiske avkommet av Marlon Brando og Peter Boyle (se filmen – og du forstår). Ellers er jeg alltids svak for flott cinematografi, svart-hvitt i særdeleshet, og Alberto Marrama gir meg nær overdose.

Jo mer jeg tenker på det, jo mer ønsker jeg å omfavne Lou Castel, Marco Bellocchio og resten som har gjort Fists in the Pocket til en modig kunstnerisk, men likevel tilgjengelig stykke filmskatt som rett og slett føles ubeskrivelig befriende å grave frem fra det store «intet» — bare for å finne ut at det er en film som har holdt seg uforskammet godt i over førti år og er like relevant og fantastisk.

vlcsnap-3139786


Fail-Safe (1964)

vlcsnap-7144061

Frykten for atomkrig og total ødeleggelse hjemsøkte også den amerikanske filmindustriens kunstnere på 1960-tallet – en tid da en skjelvende verden var vitne til militær opprustning i skremmende skala med USA og Sovjetunionen som politisk skarpe motpoler.

I 1964 formidlet Stanley Kubrick samtidens anspente stemning med vågal mørk komedie av dystre undertoner i mesterverket Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, John Frankenheimer lanserte det eminente storpolitiske thrillerdramaet Seven Days in May, mens Sidney Lumet bidro med skildring av sitrende, intens frykt og spenning i den alarmerende oversette perlen Fail-Safe, i skyggen av Dr. Strangelove.

I løpet av samme år hadde tre av USAs fremste filmskapere gjennom tidene laget hver sin vinkling med «Den Kalde Krigen» som ulmende bakteppe.

vlcsnap-7146557

Verden er allerede på randen av skjebnesvanger storkrig mellom stormaktene i vest og øst, når en teknisk maskinfeil på amerikansk side fører til at en skvadron med SAC bombefly sendes i kurs direkte mot Moskva med oppdrag om totalt tilintetgjørelse. Verken den amerikanske presidenten, Pentagon eller SAC-hovedkvarteret i Omaha klarer å overbevise pilotene om at oppdraget er initiert av teknisk svikt. «Fail-Safe»-systemet setter en effektiv stans for tilbaketrekning. De er forbi «the point of no return»…

Den amerikanske presidenten, spilt av Henry Fonda, tar opp telefonen og ringer den sovjetiske statsministeren for å varsle om den fatale glippen. Den ekstremt dramatiske situasjonen krever et utenkelig samarbeid for å begrense skadene. Men etter hvert som tiden går, svinner også håpet om en løsning som ikke innebærer at millioner av uskyldige mennesker vil miste livet.

Den pessimistiske tonen etableres i de første sekundene i surrealistiske marerittsbilder, brukt som et foruroligende frempek. Der Kubrick bruker mørk komikk som virkemiddel i Dr. Strangelove, tviholder Sidney Lumet på en realistisk nærhet og alvorstynget stemning om den samme tematikken. Fra samme base tar de to filmene ulike retninger, og lykkes stort.

vlcsnap-7147519

Fail-Safe er et intenst og klaustrofobisk kammerdrama, utledet av et sylskarpt manus og formidlet med hjelp av et a-lag av skuespillere. I spissen står Henry Fonda som fremstår med menneskelighet, besluttsomhet og handlekraft når han som den amerikanske presidenten i sjelsettende timer bærer ansvaret for hele vår sivilisasjon. Han er «presidential». Scenene der Henry Fonda sitter med telefonrøret skjelvende i hånden mens han diskuterer bombeangrep med den russiske statslederen, med assistanse fra sin betrodde tolk, er skildret med dirrende og hjemsøkende ubehag – og altoppslukende spenning. Henry Fondas tilstedeværelse er som i Sidney Lumets tidligere mesterverk, 12 Angry Men, monumental.

Larry Hagman må også gjøre sin livs prestasjon som presidentens eneste samtalepartner, mannen som oversetter mellom russisk og amerikansk. Like enestående er naturligvis legendariske Walter Matthau i rollen som ekstern rådgiver for Pentagon.

Fail-Safe er fantastisk skutt i svart/hvitt. Kamera er ofte plassert på siden eller ovenfor menneskene. Det er ingen musikk. Atmosfæren er svettende ubehagelig, kjølig og deprimerende. Veloverveid i alle ledd, og det oser av høy filmteknisk klasse.

vlcsnap-7149937

Som et lite pirk kan filmens budskap føles i overkant prekende. I noen scener er det nærmest som skuespillerne henvender seg til publikum med moralprekener om frykten for at maskinene skal ta over for menneskelig moral og intelligens.

Men et stort problem blir det aldri. Kanskje er det heller ikke en svakhet.

I min bok er Fail-Safe er helt der oppe med Dr. Strangelove. Kanskje til og med bedre – den beste filmen noensinne gjort om «Den Kalde Krigen»?

PS! Stephen Frears regisserte en stjernespekket remake (eller en film basert på samme bok) for tv i 2000.


Le mépris (1963)

vlcsnap-84418

Å se Le mépris for første gang oppleves som en forelskelse. Følelsen av å kjenne endorfinene strømme ukontrollert rundt i kroppen. En sansepirrende reise gjennom fargerike, friske og sensuelle bilder, med et sjeldent vakkert lydspor svevende over Jean-Luc Godards lukkede verden. Man kan lukke øynene å lytte til musikken, eller man kan åpne dem og ta innover seg både musikk og bilder i et euforisk sanseinntrykk kun Sergio Leone akkompagnert av Ennio Morricone har gitt meg tidligere.

Jeg er nødt for å være litt pompøs når jeg omtaler Le mépris. Det er rett og slett den type film.

Le mépris er regissert av den franske nybølgens kanskje største ikon, Jean-Luc Godard, og den er uforglemmelig fotografert av hans faste følgesvenn, Raoul Coutard. Dette er ved første øyekast en film om filmindustrien (som jeg jo er veldig svak for som konsept i utgangspunktet), men langt mer fundamentalt en film om relasjoner og forhold. Etter en frisk og innovativ presentasjon av filmens viktige aktører foran og bak kamera (ved hjelp av voice-over), så klippes det over i første scene med en naken Brigitte Bardot liggende på magen. Ved hennes side sitter Michel Piccoli og nikker bekreftende når hun spør om han setter pris på hver enkelt av hennes kroppsdeler. Scenen skifter farger flere ganger.

vlcsnap-90053

I neste scene møter vi en selvgod filmstudiosjef i Jack Palances skikkelse som har hyret den legendariske tyske filmskaperen Fritz Lang (han spiller seg selv) til å filmatisere en ny versjon av Homers Odyssen. Michel Piccolis karakter er på sin side hentet inn for å skrive nye scener inn i filmmanuset etter at studiosjefen er svært lite fornøyd med hva Fritz Lang har visualisert av historien så langt. Filmprosessen går sin gang, men det er privat; det dysfunksjonelle kjærlighetsforholdet mellom Piccoli og Bardot som blir filmens etter hvert dvelende tilnærming.

Mer enn stor fortellerkunst, er dette visuell filmkunst. For hvis jeg skal være ærlig; utover i filmen, i særdeleshet i midtpartiet, er det vanskelig å engasjere seg i konflikten mellom de to hovedpersonene. Man kommer aldri under huden på noen av dem, man forstår ikke deres beveggrunner og pratet dem i mellom går inn det ene øret og ut det andre – uten særlig refleksjon.

vlcsnap-98457

Kanskje er det distraksjonen, at det hele tiden er noe behagelig å hvile øynene på, som gjør det vanskelig å fokusere på historien. Eller kanskje er det fordi Godard er veldig bevisst på å understreke at hva vi ser er fiksjon, ikke virkelighet. Godard er jo tradisjonelt inspirert av dramatikeren Bertolt Brechts konvensjonsbrytende illusjonsbrudd, hvor hensikten blant annet er å skape en distanse mellom publikum og kunsten som formidles. Jeg tror nok likevel Le mépris’ effekt på meg er motsatt av den Brecht-inspirerte intensjonen hos Godard. Det skapes riktignok en effektiv distanse. Godard lykkes med å sette virkeligheten i en uvirkelig kontekst, og man er hele veien oppmerksom på det. Hensikten er, hvis Godard følger Brecht, at man slik sett løsrives emosjonelt fra historien og isteden skal kunne delta som en intellektuell og aktiv tilskuer i oppdagelsesjakt etter kunstnerens budskap. For meg fikk imidlertid Godards distanseteknikk den virkning at jeg lot dialogen og det substansielle innholdet glippe, mens jeg isteden brukte energien på å suge til meg filmens vidunderlige visuelle kvaliteter.

Jeg fryder meg over Le mépris på samme måte som jeg fryder meg over enhver Brian De Palma-film (som igjen har Godard som uttalt inspirasjonskilde).

Med andre ord: filmen hadde ingen intellektuell innvirkning på meg, fordi jeg aldri lot meg engasjere i karakterene eller historien. Derimot fant jeg filmen grensesprengende vakker og tiltrekkende på overflaten. For en enkel sjel som meg, så er det noen ganger nok. I dette tilfellet; så definitivt!


Knife in the Water (1962)

knife

Knife in the Water (Nóz w wodzie) er en polsk psykologisk thriller fra 1960-tallet hvis handling kun utspilles mellom tre personer på ett sted: ombord i en seilbåt. Hvorfor skal du se den? Jo, fordi det er debutfilmen til Roman Polanski, og fordi den fremdeles er en av hans aller beste. Rett og slett en fantastisk god film.

Filmen er et balansert drama, psykologisk pirrende og med en nerve som gjør det uunngåelig ikke å bli trukket dypt med i handlingen. Det velskrevne manuset og de interessante personlighetene, i kombinasjon med filmens flotte ytre (nydelig foto), gjør filmen nærmest fullkommen. Et i utgangspunktet enkelt plott, blir intrikat og komplekst når personlighetene avdekkes og dramaet når kokepunktet langt ute på vannet.

knifeinthewater

Polanski passer hele tiden på å fange de tre personene i kamera samtidig, og det er både han og skuespillernes fortjeneste at det fungerer så godt som det gjør. De tre skuespillerne har veldig ulik bakgrunn; fra en merritert og erfaren skuespiller i Leon Niemczyk, til filmskoleelev Zygmunt Malanowicz som her gjør sin debut; og til slutt kvinnen i trekløveret, Jolanta Umecka, som slett ikke var noen skuespiller, men som ble oppdaget i et badebasseng basert på utseende som passet med Polanskis rollebeskrivelse. Hun kommer likevel meget godt ut i fra det, selv om Polanski til tider skal ha vært meget oppgitt på settet da Umecka slet med å ta i mot instrukser. Polanski var heller ikke fornøyd med stemmene til de to uerfarne skuespillerne og valgte derfor å legge på ny lyd på de to i etterarbeidet. Stemmen til den unge mannlige hovedrollen tok han like godt selv!

Andrzej (Niemczyk) er en veletablert sportsjournalist med en «ovenfra og ned»-holdning overfor den unge gutten spilt av Malanowicz (vi får ikke noe navn på karakteren). Andrzejs fysiske utrustning og sivile status, med velbetalt jobb og vakker kone, har gjort ham arrogant. Og når en ung, søkende gutt blir med på seiltur ser Andrzej muligheten til å demonstrere sin overlegenhet. Ganske raskt startes et psykologisk spill mellom den erfarne og den uerfarne, med Andrzejs kone fanget i midten som en slags fredsmegler mellom de to partene. Samtidig etableres det tidlig en seksuell spenning mellom hun og den yngre haikeren, og Polanski får frem denne stemningen ypperlig og holder på den hele veien. Det ligger en eksplosivt ladet konfrontasjon i lufta.

knife2

Knife in the Water er et klassisk eksempel på at det er mulig å lage briljant film med svært begrensede midler. Filmen ble også en stor suksess og åpnet portene for Polanski som filmskaper langt utover Polens landegrenser. Ulike problemer før og under innspillingen førte imidlertid til at det ble Polanskis første og siste polske filmproduksjon. Men den store verden var altså klar for å stifte bekjentskap med Roman Polanski, og den store anerkjennelsen kom gjennom Oscar-nominasjon til beste fremmedspråklige film, hvor filmen for øvrig tapte for storslåtte av en viss Fellini.

Det er utrolig nok drøye 45 år siden Knife in the Water ble spilt inn. Likevel er den fortsatt av det absolutt beste som er gjort noen gang innen sjangeren. Har du ikke sett den? Du har en stor opplevelse i vente.


The Innocents (1961)

vlcsnap-354337

Det er ingen grunn til å la denne filmen støve bort. Riktignok er den produsert i – og for – 1961. Men skuespillet, stemningen, foto og historien bærer ikke preg av tiden. Eller, i den grad filmen bærer preg av å være fra en annen æra, er det til dens fordel. For med enkelte unntak, som Alejandro Amenábars The Others, lager man ganske enkelt ikke filmer av denne typen lenger. Og hvor fant Amenábar inspirasjon? Ganske sikkert i The Innocents.

Filmen er basert på en litterær klassiker, forfattet av Henry James, gjort til filmmanus av Truman Capote, og regissert av Jack Clayton. Historien er tolket flere ganger, for eksempel av John Frankenheimer i tv-filmen The Turn of the Screw (som også er tittelen på boka) med Ingrid Bergman fra 1959. En film jeg dør etter å se (hvor finner jeg den??).

vlcsnap-352669

Men tilbake til The Innocents.

Historien tar oss med til andre halvdel av 1800-tallet. Miss Giddens (Deborah Kerr) ansettes som barnevakt og guvernante for to barn, en gutt og en jente, i et stort og aristokratisk hus i landlig, britisk beliggenhet.

Når hun ankommer stedet for første gang, hilses hun forsiktig velkommen av en litt eldre tjener som har jobbet der over flere år. Hun bor også i huset, sammen med barna, og får hjelp av et par andre tjenere til å holde stedet vedlike. Litt motvillig betror hun at den forrige guvernanten døde mens hun jobbet der.

Etter en stund begynner Miss Giddens å høre lyder hun ikke klarer å identifisere, samtidig som andre mystiske hendelser inntreffer. Gradvis begynner hun å mistenke at noe er galt. Hun ser skikkelser og mennesker, i vinduer og i kjernet utenfor hagen, som skal være døde. Barna har også en merkelig oppførsel, og i særdeleshet den unge gutten, Miles, som på grunn av upassende oppførsel ble utvist fra skolen og sendt hjem lenge før skoleferien.

vlcsnap-350958

Miss Giddens graver i husets fortid, og mener det må være en overnaturlig forbindelse mellom barna og Miss Jessel og Peter Quint som tidligere har arbeidet i huset, men som døde under mystiske omstendigheter. Hun legger frem teoriene sine for husets hovedtjener, uten at hun virker like overbevist.

Som en klassisk spøkelseshistorie spiller The Innocents effektivt spiller på vår forestilling om barnets uskyld. Deborah Kerr er lysende i den besettende hovedrollen som standhaftig og idealistisk britisk guvernante, mens unge Martin Stephens er en åpenbaring som filmens «creepy» guttunge som driver Miss Giddens til psykisk vanvidd (han spilte en nesten identisk rolle like skremmende i Village of the Damned året i forveien).

Men The Innocents hadde aldri fått sin klassikerstatus hadde det ikke vært for cinematografien, bruken av lyd og musikk, lys og skyggeeffekter, og den spøkelsesaktig troverdige atmosfæren som skapes av scenografien, historien, det smygende kameraet og de spesielle sceneskiftene.

vlcsnap-352890

Fra åpningen – med lyden av et barn som synger, avbrutt av Deborah Kerr i et øyeblikk av spirituell lidelse – fremkalles en udefinerbar ubehagelig stemning som blir værende filmen ut. Idet Miss Giddens første dag dulter borti en vase med blomster, og bladene faller på gulvet, er det et foruroligende forvarsel på hva som senere vil skje når hun «tar i barna».

En uforglemmelig blanding av klassisk skrekk, innrammet i gotiske kulisser, og psykologisk skildring av et potensielt mentalt sammenbrudd, høynet av visuell filmkunst langt utenom det vanlige. Det kan knapt gjøres bedre.


Rocco and His Brothers (1960)

vlcsnap-18813

Luchino Visconti maler med bred pensel i svart og hvitt i det italienske familiedramaet Rocco and His Brothers (Rocco e i suoi fratelli). Sen neorealisme med tydelige anslag av pompøs melodrama og opera; arketypisk italiensk med markert kroppsspråk og mye fakter.

Filmen er delt inn i fem kapitler – etter brødrenes navn. Men som tittelen mer enn antyder: Det er Rocco (en italienskdubbet Alain Delon) som er hovedpersonen.

Etter at mannen hennes dør, velger Rosario Pardoni (Katina Paxinou) å ta med fire av sine sønner og flytte fra de ruralt fattige kårene i Sør-Italia for å reise til det urbane og sofistikerte nord i storbyen Milano. Der bor allerede hennes femte og eldste sønn, Vincenzo (Spiros Focás).

vlcsnap-1383762

Men familien kommer uanmeldt på Vincenzo og hans forlovede, den vakre Ginetta (spilt av Claudia Cardinale, som du forhåpentligvis har sett i både og C’era una volta il West, eventuelt i Viscontis senere Il Gattopardo). Det bygger uunngåelig opp til konflikter idet den sterkt temperamentsfulle Rosario trenger seg på, og tar det som en selvfølge at familien kan innlosjeres i deres leilighet.

Historien fragmenteres utover de ulike brødrenes jakt på et sted å bo, jobb og kjærligheten mens de forsøker å finne seg til rette i det fremmed urbane Milano:

En ærlig og hardtarbeidende Rocco finner jobb i et vaskeri, Ciro (Max Cartier) forsøker å etablere seg som bilmekaniker, Luca (Rocco Vidolazzi) er den yngste som drives i lojalitet mellom storebrødrene, mens den nest eldste Simone (Renato Salvatori) plukkes opp av en boksetrener og blir lansert som et kommende lokalt stjerneskudd i bokseringen.

vlcsnap-1848947

Bildet kompliseres imidlertid når Simone forelsker seg og blir besatt av en prostituert jente, Nadia (Annie Girardot), i et forhold som etter hvert skaper ringvirkninger for hele familien.

I tre timer til forteller Visconti om personer som kjenner livets store følelser på kroppen og må ta avgjørende valg i livet. Det er en film om familiebånd og kjærlighet i et delt italiensk samfunn, med en fundamental mentalitets- og velstandsforskjell mellom nord og sør. På 1950- og 60-tallet reiste fattige syditalienere i hopetall til Nord-Italia i håp om å finne jobb og verdighet, uten at alle i nord satte like stor pris på sine nye innbyggere.

Den operaelskende Visconti skildrer historien i grandios skala, men har samtidig klart å bevare en realistisk nærhet til karakterer og miljø, til senere inspirasjon for filmskapere som Martin Scorsese og Francis Ford Coppola. At Scorsese har sett boksescenene her i forkant av Raging Bull, er like sikkert som Coppola hyret inn Nina Rota til å gjøre Gudfaren-musikken etter å ha sett Rocco and His Brothers.

vlcsnap-1414020

Filmen hadde i sin tid store problemer med å komme gjennom sensuren (mest på grunn av en draps- og voldtektsscene), men ble etter hvert Viscontis første store internasjonale suksess og dro inn en rekke priser verden over. Blandingen av operainfluert melodrama – påtakelig sensuelt med et snev av homoerotiske undertoner – og den neorealistiske formen, skaper en realistisk ramme for de mange sterke følelsene som formidles i full kraft direkte til publikum.

Et blendende vakkert og dypt bevegende drama, med en tydelig forankring i tid og sted, men like fullt: cineastisk tidløst og universelt.


Ballad of a Soldier (1959)

vlcsnap-9393132

Under 2. verdenskrig kjemper den russiske soldaten Alyosha Skvortsov (Vladimir Ivashov) ved fronten. Etter å ha nøytralisert to tyske tankser på egenhånd, blir han belønnet med en tapperhetsmedalje for sin heltemodige innsats på krigsslettene. Men Alyosha ønsker heller å få permisjon, slik at han kan reise hjem og besøke sin mor.

Alyosha får innvilget noen dager fri, og mesteparten av filmen avgrenses til togreisen hjem til den russiske landsbygda, via diverse omveier, der han møter og forelsker seg i en ung kvinne (Zhanna Prokhorenko) underveis på reisen.

Ballad of a Soldier er en vakkert fotografert kjærlighetshistorie, forfattet og regissert av av krigsveteran Grigori Chukhrai. Samtidig er det en film som med poesiens kraft forteller én helts grusomme skjebne i en krig som kostet nesten 30 millioner russiske liv, både soldater og sivile. Man aner at dette er én av mange slike historier. Menneskelige eventyr og romantikk avløses av bitter krigsrealitet i en film med kontrastfylte følelser og stemningsbilder.

vlcsnap-9405454

Grigori Chukhrai gjør dette også til en «skuespillernes film»; da ingenting overdramatiseres, handlingen er kortfattet og enkel, og hvor det er menneskelige skjebner og hverdagshandlinger som skildres. Vladimir Ivashov og Zhanna Prokhorenko utstråler begge en hverdagslig mentalitet som gjør det hele dypt ektefølt og virkelig.

Ballad of a Soldier er en melankolsk, episodisk skildring og hyllest til den unge og tapre soldaten som hadde lite, men ofret alt. Like nøkternt, som nydelig, fortalt.